作家名：尾崎真実（Mami Ozaki） 作品名：光の中 サイズ: 265mm✖️210mm 額: 380mm✖️325mm✖️50mm 技法：アクリル 制作年:2025 尾崎真実の《光の中》は、18年に及ぶ「白」への探究の軌跡から生まれた一枚です。 画面全体を覆う黄の柔らかな層は、光そのものが息づいているかのように広がり、観る者を温かな包容感で包み込みます。その中央には赤褐色の線が垂直と水平に交差し、まるで光が空間を横切る瞬間や、心の奥底に残る記憶の残響を象徴しているかのようです。

作家名：相馬　博（Hiroshi Souma） 作品名：銀河の道(タオ) サイズ: Ｈ300mm xＷ300mm 額無し 技法：アクリル 制作年:2025 相馬博（そうま ひろし）は、1972年に東京都で生まれた現代美術家です。彼は中央美術学園で絵画を学び、1996年に卒業しました。その後、さまざまな個展やグループ展に参加し、国内外で活動を展開しています。 作品のテーマとスタイル 相馬の作品は「光と人」をテーマにしており、色彩や光の粒を用いて生命の煌めきや儚さ、流れゆく時間を表現しています。彼の絵画は抽象的でありながら、観る者の心情に訴えかける力を持っています。 主な活動と展示 相馬博は、個展やグループ展を通じて多くの作品を発表しています。最近の個展には、2023年に瑞穂町郷土資料館で開催された「悠久の光、久遠の刻」があります。また、彼はアートワークショップも行っており、初心者向けの油絵や水彩画の指導を行っています。 受賞歴とメディア掲載 相馬は、アートイマジン芸術小品展での受賞歴があり、彼の作品は美術関連のメディアにも取り上げられています。特に、朝日新聞や読売新聞などの主要な新聞に掲載されたことがあります。 相馬博は、現代美術の分野で独自のスタイルを持ち、観る者に深い感動を与える作品を創り続けています。 Hiroshi Soma (b. 1972, Tokyo) is a contemporary artist whose practice centers on the interplay between light and humanity. He studied painting at the Chuo Academy of Fine Arts, graduating in 1996, and has since presented his work in numerous solo and group exhibitions both in Japan and abroad. Artistic Themes and Style Soma’s oeuvre is rooted in the theme of “Light and People.” Through vibrant color and shimmering particles of light, his paintings evoke the brilliance and fragility of life, while also suggesting the quiet flow of time. Though abstract in form, his works resonate deeply with viewers, inviting emotional reflection and introspection. Exhibitions and Activities Soma has exhibited widely, with recent highlights including his 2023 solo exhibition Eternal Light, Timeless Moments at the Mizuho Town Museum of Local History. In addition to his exhibitions, he also leads art workshops, offering instruction in oil and watercolor painting for beginners and fostering creative engagement across generations. Recognition and Media Coverage He has received awards at the Art Imagine Small Works Exhibition, and his work has been featured in prominent media outlets, including major national newspapers such as The Asahi Shimbun and The Yomiuri Shimbun. Artistic Significance With a distinctive style and a poetic sensitivity to light, Hiroshi Soma continues to create works that leave a lasting impression—offering viewers not only visual beauty but also moments of quiet contemplation and emotional resonance within the field of contemporary art.

作家名：田中　みづほ（Mizuho Tanaka） 作品名：雨の音も聴こえない サイズ: 165mm×120mm 額: 270mm ×220mm 技法：ジェルプリント 制作:2025 感情の微粒子を、色と層と息づかいで可視化する 静かに降り続く雨のなかで、その音だけが届かない—。 田中みずほは、そんな心の位相に似た“無音の気配”を、色・線・テクスチャーのレイヤーとして掬い上げます。具象のかたちに寄りかからず、アクリルとペンの流動線、薄く重なる色面、紙や布、ファイバーの軽やかな質感を組み合わせ、胸の奥をよぎる一瞬の揺れを画面（ときに空間）に定着させる。そこに立ち現れるのは、静止しているのに脈打つ、時間の痕跡です。 田中の抽象は“テーマ先行”で組み立てられます。 《白の物語》（2019）では“白”という余白の物語性を、そして《忘れるということ》（2024）では淡い層と透明感によって“忘却”の切なさと美しさを描きました。本展「雨の音も聞こえない」では、周囲に雨が降っているのにその音だけが遮断されるような、思考の渦に感覚が追いつかない状態を扱います。耳ではなく、皮膚や呼吸で聴く雨—その知覚のズレを、画面のレイヤーとリズムとして可視化します。 素材は感情のメタファーとして選ばれます。 布のたわみは心の揺れ、ファイバーの軽さは思考の浮遊、陶の重さは記憶の沈殿。キルト制作の背景に由来する重層構造は、画面の内側に微細な気流と間（ま）を生み、わびさびの感覚と現代的な抽象性を結び合わせます。結果として生まれる作品は、暗い主題を扱いながらも決して重たく沈まない—微細な光の反射と呼吸のリズムが、観る者それぞれの記憶に接続する“余白”を確保します。 雨は止まない。けれど、音はしない。 その静けさのなかで、あなた自身の内側に降り積もる気配を、どうか拾い上げて Mizuho Tanaka “When the Rain Makes No Sound” Mizuho Tanaka translates the finest grains of feeling into layers of color, line, and breath. Working beyond figuration, she composes fluid pen lines and translucent acrylic fields with paper, cloth, and fiber, allowing emotional flickers to settle on the surface—sometimes expanding into space. What emerges is a record of time that appears still yet pulses within. Tanaka’s abstraction is guided by theme. In The Story of White (2019) she explored the narrative of “white” as fertile emptiness; in On Forgetting (2024) she rendered the tenderness of oblivion through pale strata and transparency. The new exhibition, When the Rain Makes No Sound, addresses a state in which thoughts race so loudly that perception falls silent—like being surrounded by rain whose sound cannot be heard. Tanaka visualizes this sensory displacement as rhythm and layering. Materials function as metaphors for feeling: the pliancy of fabric as emotional sway, the lightness of fiber as drifting thought, the weight of clay as sedimented memory. Rooted in her background in quilting, her stratified surfaces cultivate breath and interval, intertwining a Japanese sensitivity for impermanence with contemporary abstraction. Even when she engages heavy themes, the works remain luminously balanced, leaving generous space for viewers to project their own memories. The rain doesn’t stop—only its sound is missing. In that quiet, may you gather what begins to fall within.

作家名：鈴木 香織（Kori Suzuki） 作品名：Somewhere, not here 2025-1 サイズ: 455mm×275mm 額: 技法：ペン、アクリル 制作:2025 鈴木香織（1981年、新潟生まれ）は、絵画と版画の領域を往還しながら、音楽・文学・精神的探求を根底に据えた独自の抽象表現を切り拓いてきた現代美術家です。女子美術大学で基礎を培い、武蔵野美術大学大学院で造形学を修めた後、独学で絵画に没入した彼女の軌跡は、東京での初個展（2006年）を起点に、ドイツやスイスをはじめとする国際的な舞台へと広がっていきました。 本展「堆積する夢」では、鮮烈な色彩と濃密な線が織りなすリズム、そして絵肌に刻まれた層が、まるで時間の堆積や記憶の沈殿を映し出すかのように立ち上がります。作品群は、円環や格子、うねりを伴う形態が絡み合い、見る者を複数の時空へと誘います。それはジャズの即興演奏のように、秩序と逸脱、沈黙と響きのあいだを自在に往復しながら、新たな視覚的音楽を奏でているかのようです。 近年の抽象絵画の潮流においても、鈴木の作品は「知覚の堆積」として注目すべき位置を占めています。即物的なマテリアル感と、個人の夢や記憶という内的風景が交錯するその世界は、私たちが「見る」という行為そのものの複雑さと豊かさを鮮明に示しています。 Kaori Suzuki Solo Exhibition: “Accumulated Dreams” Kaori Suzuki (b. 1981, Niigata, Japan) is a contemporary artist working across painting and printmaking, whose practice is deeply influenced by music, literature, and spiritual inquiry. After her studies at Joshibi University of Art and Design and Musashino Art University Graduate School, she pursued painting independently, establishing her voice through abstraction. Since her first solo exhibition in Tokyo (2006), Suzuki has steadily expanded her presence to international stages, particularly in Germany and Switzerland. In “Accumulated Dreams,” Suzuki presents works where vibrant color fields and intricate lines intertwine, layering like sediment—traces of time and memory made visible. Circular forms, lattice-like grids, and rhythmic undulations converge to create a dynamic visual field, one that resonates much like an improvisational jazz performance: oscillating between order and disruption, silence and resonance, until they coalesce into a visual symphony. Within the broader discourse of contemporary abstraction, Suzuki’s practice embodies a distinctive exploration of perception and memory. Her canvases simultaneously confront materiality and evoke interior landscapes, reminding us that the act of seeing itself is layered, fluid, and infinitely rich.

作家名：能勢　伸子（Nobuko Nose） 作品名：無題 No22 サイズ: 320mm×410mm 額: 技法：ミクストメディア 制作年:2025 作家・能勢伸子が向き合うモチーフは「自然」である。 だが、それは山や海や森を写し取ることではない。彼女が見つめるのは、自然が孕む「気配」や「痕跡」、そして可視化される前の揺らぎそのものである。 彼女はまず具象的なドローイングを勢いよく書き殴り、その線のうねりとリズムを身体に刻み込む。やがてキャンバスの前に立ち、意識の働きをあえて手放す。残るのは無意識の流れと、腕の自然な動きが生み出す筆致。そこから現れる線や色彩は、個人の意志を超えて、自然そのものの呼吸と共鳴していく。 白と群青、深い黒や褐色が織りなす層は、風の軌跡や水のざわめき、あるいは光の記憶を想起させる。力強く刻まれたストロークは大地の律動を映し、淡く溶け合うブルーは夜空や海底の奥行きを感じさせる。作品はどれも「形になる前の世界」への入口であり、観る者の感覚を解き放ち、内なる記憶や感情と響き合うだろう。 能勢伸子の絵画は、意識の制御を超えて立ち上がる自然の声であり、同時に私たち自身の無意識の風景でもある。 その瞬間にしか立ち現れない痕跡を、どうぞご体感ください。

作家名：三好　淳子（Junko Miyoshi） 作品名：無題 サイズ: 115mm×100mm 額: 220mm×220mm ×40mm 技法： 制作年:

作家名：北崎　洋子（Yoko Kitazaki） 作品名：Angelic 08-30 サイズ: 220mm×225mm 額: 445mm×455mm ×15mm 技法：アクリル 制作年:2008 北崎洋子（Yoko Kitazaki）は、日本の画家で、特に自然から受けるエネルギーを描くことに情熱を注いでいます。彼女は1960年に京都で生まれ、早くから油絵を学びました。モネの「睡蓮」に見られる層状の色彩に魅了され、変化する光を表現したいと考えました。京都市立芸術大学で染色を専攻し、染色と油絵の技法を融合させた作品を制作しています。 アートスタイルとテーマ 北崎の作品は、アクリル絵具を使用した抽象画が中心で、彼女の表現には「動き」「流れ」「光沢」「塊」「ひび割れ」といった要素が含まれています。これらは、彼女が顔料を再結合させるというアイデアに基づいています。彼女の作品は、心の視点から全体の現象を見つめるというメッセージを持つ二重性をテーマにしています。 展示活動 北崎は、国際的なアート展に参加しており、特にイタリアやニューヨーク、パリでの展示が多いです。2025年には、東京のアートギャラリー絵の具箱で個展を予定しており、オンライン展示も行われる予定です。 彼女の作品は、自然の要素—光、風、水、木々—からインスピレーションを受けており、これらを具現化することに力を入れています。彼女のアートは、観る人に深い感情や思索を促すものとなっています。

作家名：増田　泰子（Yasuko Masuda） 作品名：虹 サイズ: 90mm×145mm 額: 220mm×280mm ×20mm 技法：水彩 制作年:

作家名：河角　小夜子（Sayoko Kwakado） 作品名：TUNE 19 サイズ: 250mm×110mm 額: 420mm×275mm ×15mm 技法：蜜蝋 制作年:2008 河角小夜子（かわかど さよこ）さんは、日本の画家であり、最近のグループ展に参加していることが確認されています。彼女は、2025年7月21日から26日まで開催された「漠展」と呼ばれる展覧会に出品しており、他のアーティストと共に作品を展示しています。 河角小夜子さんの作品は、特に油彩画に焦点を当てているようで、彼女のスタイルやテーマについての詳細はまだ多くは知られていませんが、彼女が参加する展覧会は、ベテランの女性アーティストたちによるもので、作品の質や多様性が評価されています。 彼女の活動は、アートコミュニティ内で注目されており、今後の展覧会や作品発表にも期待が寄せられています。興味がある方は、彼女の作品を直接見る機会を持つことをお勧めします。

作家名：横山　タケ子（Takeko Yokoyama） 作品名：砂漠の街 サイズ: 90mm×140mm 額: 215mm×270mm ×20mm 技法：岩絵具 制作年:2010 横山タケ子（よこやま たけこ）は、日本の画家で、1944年に広島で生まれました。彼女は日本画の作家として活動しており、数多くの個展を開催しています。特に、1965年に初めての個展を開いて以来、広島を中心に多くの展覧会を行ってきました。 主な活動と受賞歴 * 1965年：初の個展（油彩展）を開催 * 1992年：銀座アートホールでの2人展 * 2002年：伊豆美祭で優秀賞を受賞 * 2007年：日本芸術センター記念展で金賞を受賞 * 現在、日本美術家連盟の会員として活動し、千葉市に居住しながら自身の美術館を運営しています。 横山タケ子の作品は、彼女の独自のスタイルと技術を反映しており、特に自然や風景をテーマにした作品が多いです。彼女の作品は、国内外で高く評価されています。

作家名：横山　タケ子（Takeko Yokoyama） 作品名：月とススキ サイズ: 90mm×145mm 額: 215mm×270mm ×20mm 技法：岩絵具 制作年:2019 横山タケ子（よこやま たけこ）は、日本の画家で、1944年に広島で生まれました。彼女は日本画の作家として活動しており、数多くの個展を開催しています。特に、1965年に初めての個展を開いて以来、広島を中心に多くの展覧会を行ってきました。 主な活動と受賞歴 * 1965年：初の個展（油彩展）を開催 * 1992年：銀座アートホールでの2人展 * 2002年：伊豆美祭で優秀賞を受賞 * 2007年：日本芸術センター記念展で金賞を受賞 * 現在、日本美術家連盟の会員として活動し、千葉市に居住しながら自身の美術館を運営しています。 横山タケ子の作品は、彼女の独自のスタイルと技術を反映しており、特に自然や風景をテーマにした作品が多いです。彼女の作品は、国内外で高く評価されています。

作家名：建部 弥希（Miki Takebe） 作品名：クモリノチアメ サイズ: F3 額無し 技法：キャンパス/油彩 制作年:2005

作家名：関　仁慈（Hitoshi Seki） 作品名：Unwritten Law 2508003 サイズ: Ｈ335mm xＷ270mm×30mm 額込み 技法：ミクストメディア 制作年:2025

作家名：中村　公紀（Kiminori Nakamura） 作品名：無題 サイズ: Ｈ148mm xＷ100mm×2mm 額: 255mm xＷ200mm×25mm 技法：collage,drawing 制作年:2025

作家名：笠原　宏隆（Hirotaka Kasahara） 作品名：色彩のフーガ サイズ: Ｈ275mm xＷ275mm×20mm 額無し 技法：ミクストメディア 制作年:2025

作家名：相馬　博（Hiroshi Souma） 作品名：銀河の道(タオ) サイズ: Ｈ300mm xＷ300mm 額無し 技法：アクリル 制作年:2025 相馬博（そうま ひろし）は、1972年に東京都で生まれた現代美術家です。彼は中央美術学園で絵画を学び、1996年に卒業しました。その後、さまざまな個展やグループ展に参加し、国内外で活動を展開しています。 作品のテーマとスタイル 相馬の作品は「光と人」をテーマにしており、色彩や光の粒を用いて生命の煌めきや儚さ、流れゆく時間を表現しています。彼の絵画は抽象的でありながら、観る者の心情に訴えかける力を持っています。 主な活動と展示 相馬博は、個展やグループ展を通じて多くの作品を発表しています。最近の個展には、2023年に瑞穂町郷土資料館で開催された「悠久の光、久遠の刻」があります。また、彼はアートワークショップも行っており、初心者向けの油絵や水彩画の指導を行っています。 受賞歴とメディア掲載 相馬は、アートイマジン芸術小品展での受賞歴があり、彼の作品は美術関連のメディアにも取り上げられています。特に、朝日新聞や読売新聞などの主要な新聞に掲載されたことがあります。 相馬博は、現代美術の分野で独自のスタイルを持ち、観る者に深い感動を与える作品を創り続けています。

作家名：郡司宏（Gunji Hiroshi） 作品名：草葉 サイズ: Ｈ210mm xＷ110mm 額: Ｈ395mm x300mmx20mm 技法：銅版画 制作年:1993 郡司宏（Gunji Hiroshi）は、日本の画家であり、特に版画作品で知られています。1952年に東京で生まれ、2020年に69歳で亡くなるまで、長い間創作活動を続けてきました。彼の作品は多くの人々に愛され、さまざまな展覧会で展示されてきました。 主な業績と展示 郡司は、1981年の西武版画大賞展や1982年のCabo Frioプリントビエンナーレなど、数多くの展覧会に参加しました。彼の作品は、アクリル画や版画を中心に、多様なスタイルで表現されています。特に、彼の代表作「龍の巣」は2002年に制作されたもので、180x180cmの大きさを誇ります。 彼の遺作展は、彼の死後も続けられており、2023年には高円寺のポルトリブレで遺作展が開催されました。この展覧会では、彼の作品が多くの人々に再評価され、彼の芸術的な影響力が感じられました。 芸術スタイルと影響 郡司宏の作品は、豪胆さと繊細さを併せ持つと評されており、彼の作品には独特の感受性が表れています。彼はまた、俳号「郡司きまる」として句集も出版しており、詩的な表現にも力を入れていました。 彼の作品は、特に昭和の時代の記憶や感情を反映しており、観る者に深い感動を与えるものとなっています。郡司の芸術は、彼自身の人生経験や社会的背景を色濃く反映しており、彼の作品を通じて多くの人々が共感を覚えています。 郡司宏は、現代日本のアートシーンにおいて重要な存在であり、彼の作品は今後も多くの人々に影響を与え続けるでしょう。

作家名：野見山暁治(Kyouji Nomiyama) 作品名：ガジュマルの木 サイズ: Ｈ380mm xＷ560mm 額: Ｈ440mm xＷ625mmx25mm 技法：ドローイング 制作年:1986 野見山暁治（のみやま ぎょうじ）は、日本の著名な洋画家であり、2023年6月22日に102歳で亡くなりました。彼は福岡県飯塚市に生まれ、東京美術学校（現在の東京芸術大学）を卒業後、戦後の日本洋画界で重要な役割を果たしました。 経歴と業績 生い立ち: 1920年12月17日、福岡県嘉穂郡穂波村（現・飯塚市）に生まれました。炭鉱経営者の家庭に育ち、幼少期から絵を描くことに興味を持っていました。 教育と初期の活動: 1943年に東京美術学校を卒業し、同年に春陽会展で初入選を果たしました。戦争中は満州に動員されましたが、病気のため内地に送還されました。 フランス留学: 1953年から12年間パリに滞在し、サロン・ドートンヌの会員として活動しました。この時期に彼の作品は国際的に評価され、1958年には安井賞を受賞しました。 帰国後の活動: 1964年に帰国し、東京・練馬と福岡・糸島にアトリエを構えました。東京芸術大学では准教授、教授として後進の指導にも尽力しました。 受賞歴: 彼は文化勲章を受章し、79歳で文化功労者に認定されました。また、84歳で菊池寛賞を受賞しています。 作風と影響 野見山の作品は、具象画と抽象画の要素を融合させた独自のスタイルが特徴です。彼は自然や人間の本質を探求し、色彩や形状を通じて感情を表現しました。特に、公共施設に設置されたステンドグラス作品は多くの人々に親しまれています。 晩年と影響 彼は100歳を超えても創作活動を続け、「年齢はまるっきり関係ない。これからもずっと絵を描きたい」と語っていました。彼の死後も、彼の作品や思想は多くの人々に影響を与え続けています。

作家名：木許　大三郎(Daizaburo Kimoto) 作品名：脊椎08-019 サイズ: Ｈ270mm xＷ270 mm 額: Ｈ350mm xＷ360 mmx35mm 技法：油彩 制作年:2008

作家名：白木　ゆり(Yuri Shiraki) 作品名：初舞 サイズ: Ｈ140mm xＷ180mmx10mm （額縁無し） 技法：銅版画に手彩色 制作年:2025 白木ゆり（しらき ゆり）は、日本の画家であり、特に銅版画の分野で知られています。彼女は1966年に東京で生まれ、女子美術大学で洋画を専攻した後、多摩美術大学で版画を学びました。彼女の作品は、視覚だけでなく聴覚や触覚など、五感をテーマにしたものが多く、特に「音」をテーマにしたシリーズが評価されています。 経歴と活動 * 学歴: * 1987年: 女子美術短期大学造形科卒業 * 1989年: 女子美術大学芸術学部洋画専攻卒業 * 1991年: 多摩美術大学造形学部版画科研究生修了 * 受賞歴: * 1999年: 現代日本美術展で和歌山県立近代美術館賞受賞 * 1999年: 銅版画国際トリエンナーレでルビン市長賞受賞 * 2000年: 青島国際版画ビエンナーレで奨励賞受賞 * 個展とグループ展: * 彼女は数多くの個展やグループ展に参加しており、東京国立近代美術館や和歌山県立近代美術館などに作品が収蔵されています。 作品の特徴 白木の作品は、目には見えないものを視覚化することを目指しており、特に「音」や「香り」といったテーマを扱っています。彼女は、銅版画を通じて、音の感覚を視覚的に表現することに挑戦しています。彼女の作品には、音楽や自然の音を感じさせる要素が多く含まれており、観る者に新たな感覚体験を提供します。 教育活動 白木ゆりは、銅版画工房を主宰し、アート教育にも力を入れています。彼女は、銅版画の技術を広めるためのワークショップを開催し、多くの人々にその魅力を伝えています。 このように、白木ゆりは日本の現代美術において重要な存在であり、彼女の作品は多くの人々に影響を与え続けています。

作家名：白木　ゆり(Yuri Shiraki) 作品名：炎の夏 サイズ: Ｈ95mm xＷ95mm 外寸　Ｈ275mm xＷ225mmx20mm 技法：銅版画 制作年:2025 白木ゆり（しらき ゆり）は、日本の画家であり、特に銅版画の分野で知られています。彼女は1966年に東京で生まれ、女子美術大学で洋画を専攻した後、多摩美術大学で版画を学びました。彼女の作品は、視覚だけでなく聴覚や触覚など、五感をテーマにしたものが多く、特に「音」をテーマにしたシリーズが評価されています。 経歴と活動 * 学歴: * 1987年: 女子美術短期大学造形科卒業 * 1989年: 女子美術大学芸術学部洋画専攻卒業 * 1991年: 多摩美術大学造形学部版画科研究生修了 * 受賞歴: * 1999年: 現代日本美術展で和歌山県立近代美術館賞受賞 * 1999年: 銅版画国際トリエンナーレでルビン市長賞受賞 * 2000年: 青島国際版画ビエンナーレで奨励賞受賞 * 個展とグループ展: * 彼女は数多くの個展やグループ展に参加しており、東京国立近代美術館や和歌山県立近代美術館などに作品が収蔵されています。 作品の特徴 白木の作品は、目には見えないものを視覚化することを目指しており、特に「音」や「香り」といったテーマを扱っています。彼女は、銅版画を通じて、音の感覚を視覚的に表現することに挑戦しています。彼女の作品には、音楽や自然の音を感じさせる要素が多く含まれており、観る者に新たな感覚体験を提供します。 教育活動 白木ゆりは、銅版画工房を主宰し、アート教育にも力を入れています。彼女は、銅版画の技術を広めるためのワークショップを開催し、多くの人々にその魅力を伝えています。 このように、白木ゆりは日本の現代美術において重要な存在であり、彼女の作品は多くの人々に影響を与え続けています。

作家名：渡邉　博(Hiroshi Watanabe) 作品名：一筋の跡 サイズ：Ｈ130mm xＷ130mmx20mm （額縁外寸サイズ(Ｈ130mm xＷ130mmx20mm） 技法：水彩 制作年:

作家名：渡邉　博(Hiroshi Watanabe) 作品名：果てしない孤独な男 サイズ：Ｈ130mm xＷ130mmx20mm （額縁外寸サイズ(Ｈ130mm xＷ130mmx20mm） 技法：水彩 制作年:

作家名：渡邉　博(Hiroshi Watanabe) 作品名：人形 サイズ：SM （額縁外寸サイズ(SM） 技法：油彩 制作年: